333. Cameron : Titanic

Film américain réalisé en 1997 par James Cameron

Avec Leonardo DiCaprio (Jack), Kate Winslet (Rose), Billy Zane, Kathy Bates, Bill Paxton, Gloria Stuart (Rose centenaire), Frances Fisher, Bernard Hill, Jonathan Hyde, David Warner, Victor Garber, Danny Nucci, Lewis Abernathy, Suzy Amis, Nicholas Cascone

Tiré de Schneider : ''En termes de production, avec ses dimensions véritablement épiques, Titanic demeure un des films les plus impressionnants de tous les temps.'' D'accord.

Une de mes plus grandes expériences émotionnelles vécues au cinéma. Plein de séquences m'ont touché. La plus dramatique est, sans conteste, pour moi, la séquence muette de la descente de Rose dans un canot de sauvetage alors que Jack reste à bord; tout ça sur la musique de la chanson My Heart Will Go On : crève-cœur. Chanson interprétée par Céline Dion lors des crédits de fermeture et qui deviendra un hit mondial.

En sortant du cinéma, j'ai couru à la maison pour aller chercher ma conjointe afin de l'emmener voir la dernière représentation de la soirée. Depuis, revue une dizaine de fois avec toujours le même plaisir et la même chamade au cœur lors de la descente du canot avec Rose mais sans Jack.

Gloria Stuart, la Rose centenaire, était la seule personne du film qui était vivante lors du naufrage du Titanic. Elle avait un an. Morte à 100 ans en 2010.

Personnalités célèbres, entrevues dans le film, qui ne s'en sont pas sorties : 

Rosalie et Idor Straus, propriétaires de Macy, 

John Jacob Astor, homme d'affaires, propriétaire de l'hôtel Waldorf-Astoria 

Benjamin Guggenheim, magnat du cuivre.

Quand, au début du film, le personnage joué par Bill Paxton dit qu'on est à 3821 mètres de profondeur, que la pression est de 3,5 tonnes au pouce carré et que si le hublot de  9 pouces d'épaisseur cède, c'est sayonara en 2 microsecondes, on pense aux cinq naufragés du Titan d'Ocean Gate, disparus en juin 2023.

La main de Rose qui s'étampe dans la vitre arrière d'un cabriolet au moment où elle fait l'amour avec Léonardo demeure un de mes moments fétiches de ce film.

Et puis cette phrase émouvante. Rose centenaire, après avoir dit que seulement 6  naufragés sur 1500 furent sauvés par les bateaux de sauvetage : ''Les 700 réchappés à bord des bateaux n'eurent d'autre choix que de se préparer à mourir ou bien vivre en espérant une absolution qui jamais ne viendrait.'' 

En guise de conclusion...un peu de romantisme rose-bonbon :

À l'arrivée au port de New York, un employé : 

Votre nom, s'il-vous-plait, mademoiselle ?

Dawson... Rose Dawson.

Chemin de traverse : Ma grand-mère italienne, à 19 ans, a fait la traversée Le Havre-New York sur le Rochambeau le 19 avril 1913, un an après le naufrage du Titanic. Avec le même risque de percuter un iceberg (avril faisant partie de la saison des icebergs), j'imagine l'anxiété qu'a dû vivre ma grand-mère, accompagnée de sa mère et de sa sœur lors de cette traversée.

L'Occasion de voir ou de revoir A Night to Remember de Roy Ward Baker, tourné en 1958. Avec les moyens restreints de l'époque, c'est un sacré tour de force.

Oscars 1998. Onze statuettes dont celle de meilleur film. Rien pour les comédiens !!!

Cahiers du Cinéma 1998. Un des 10 meilleurs films de l'année.

Visionné, la première fois, le 6 février 1998 au cinéma de la Place Versailles à Montréal. 
Mon 333ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

332. Leigh : Secrets and Lies

Film britannique réalisé en 1996 par Mike Leigh

Avec Marianne Jean-Baptiste, Timothy Spall, Phyllis Logan, Brenda Blethyn, Claire Rushbrook, Elizabeth Berrington, Michele Austin, Lee Ross, Lesley Manville, Ron Cook

Dans la classe moyenne britannique, des relations familiales exacerbées par tous les secrets et les mensonges du passé.

Party de Noël, mariage, enterrement ou party d'anniversaire comme dans ce film sont des moments propices ou à éviter pour le grand déballage des secrets et des mensonges du passé.

Leigh : des tableaux de vie comme des nature-mortes animées, figure de style qu'on appelle oxymore.

Une femme noire adoptée à la naissance qui découvre que sa mère est une blanche me ramène illico au grand roman La tache de Philip Roth que Robert Benton a adapté au cinéma avec Anthony Hopkins.

Quelle merveilleuse partition cinématographique que cette scène prise au restaurant alors que la mère et la fille sont côte-à-côte et qu'elles dévoilent leur passé commun : voir l'affiche.

Cannes 1996. Palme d'or et prix spécial du jury. Meilleure comédienne à Brenda Blethyn

Visionné, la première fois, le 11 juillet 1997 sur VHS à Montréal. 
Mon 332ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

331. Foley : Glengarry Glen Ross

Film américain réalié en 1992 par James Foley

Avec Jack Lemmon, Al Pacino, Alec Baldwin, Ed Harris, Kevin Spacey, Alan Arkin,  Jonathan Pryce.

D'après la pièce de David Mamet

Un huis clos dans une agence immobilière avec des agents tout ce qu'il y a de plus manipulateurs et de plus véreux.

Mais il est difficile de comprendre comment on en est arrivé, dans cette agence, à une telle violence verbale. C'est comme si on arrivait au beau milieu d'une pièce de théâtre avec des dialogues comme des coups de poignard.

Une pièce de théâtre servie par un  gros casting  et une prouesse époustouflante de Jack Lemmon. 

Venise 1992. Meilleur acteur à Jack Lemmon

Visionné, la première fois, le 8 mars 1997 sur VHS à Montréal. 
Mon 331ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

330. Boyle : Trainspotting

Ferrovipathes (on est prié de cesser de rire)

Film réalisé en 1996 par Danny Boyle

Avec Ewan McGregor (Renton), Ewen Bremner (Spud), Johnny Lee Miller (Sick Boy), Kevin McKidd (Tommy),  Robert Carlyle (Begbie, le psychopathe), Kelly Macdonald, Peter Mullan, Susan Vidler (Allison)

Adapté du roman controversé d'Irvine Welsch dont les répliques cultes sont tirées.

''-Renton : (À propos d'une injection d'héroïne.) Take the best orgasm you've ever had... multiply it by a thousand, and you're still nowhere near it.

-Allison : It beats any meat injection. That beats any fucking cock in the world.''

Bon, voilà, vous avez le topo. Vous savez dans quoi vous allez passer vos 90 prochaines minutes si vous survivez à une des premières séquences dans la pire toilette d'Écosse.

Pour la morale : l'abus de drogues dures n'est pas présenté comme un choix esthétique mais plutôt comme un enfer dont la porte de sortie est une porte tournante : on y revient toujours... En pleine épidémie de sida (les années 90), les réalisateurs n'avaient peut-être pas le choix d'adopter ce point de vue sur les junkies. Dans le cas contraire, ils se seraient faits descendre en flamme par les médias et les organisations qui combattaient le sida.

Ce film, c'est presqu'une bande-annonce pour les Sex Pistols, fameux groupe punk de la fin des années 1970.

Par la manière dont est traité le sujet de la déchéance des junkies, ce film est devenu un film-culte du cinéma britannique. La présence d'Ewan McGregor, en début de carrière (25 ans), en rajoute une couche.

Visionné, la première fois, le 27 février 1997 sur VHS à Montréal. 
Mon 330ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

329. Scorsese : Casino

Film américain réalisé en 1995 par Martin Scorsese

Avec Robert De Niro (Sam), Sharon Stone (Ginger), Joe Pesci (Nicky), James Woods, (Lester), Don Rickles, Alan King, Kevin Pollak. L. Q. Jones

Un long monologue dans les trente premières minutes nous explique comment la mafia a mis la main sur tous les casinos de Las Vegas dans les années 1970. On peut ne pas survivre à ce monologue - j'ai été à un doigt de tout claquer là et d'aller revoir pour une xième fois un film de Bergman.

Mais, après une quarantaine de minutes, Sharon Stone se pointe et là, ça change la donne. On oublie Bergman et on plonge dans le film. Surtout que la madame Ginger deviendra l'épouse de Sam, le roi de Las Vegas. 

Maman, dessine-moi un gangster des plus dégueulasses : Nicky (Joe Pesci).

Un film musical :
Dès les crédits d'ouverture, un extrait poignant de la Passion selon St-Mathieu de Bach; ça ne peut pas être un film sur Las Vegas. Mais si, les 50 chansons dont 6 par les Rolling Stones qui parsèment le film vont vous prouver le contraire.

Ce Las Vegas décrit par le film n'existe presque plus. L'ancien strip est toujours en vie mais il ne fait pas le poids avec le nouveau strip façon Disneyland avec ses différents hôtels en faux-semblant : Venise, Paris, New York, Rome antique, etc.

Il y a deux décennies, en arrivant à Las Vegas, vers midi, le thermomètre de l'auto indiquait 46C alors que le matin même dans le camping du Grand Canyon, il indiquait 16C.

À minuit sur l'horloge municipal : 100 degrés fahrenheit.

Exploit : avoir passé trois jours à Las Vegas sans avoir mis un sou dans les jeux de casino.

La ville des salaires perdus

Cahiers du Cinéma. Dans la liste des 10 meilleurs films de l'année 1995.

Visionné, la première fois, le 3 février 1997 sur VHS à Montréal. 
Mon 329ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

328. Coen Joel et Ethan : Fargo

Film américain réalisé en 1996 par Joel et Ethan Coen

Avec Frances McDormand (Marge), William H. Macy (Lundergaard), Steve Buscemi, Peter Stormare, Kristin Rudrud, Harve Presnell, John Carroll Lynch

La béance du fossé qui sépare, chez la policière (McDormand), l'horreur qu'elle affronte et son indifférence émotionnelle fait la beauté de ce film et, pourquoi pas, lui fait gagner l'Oscar de la meilleure actrice. 

Exemple de ce qui précède : J'ai été complètement soufflé par le comportement de cette policière enceinte (7 mois !!!) qui, après avoir  été témoin d'une scène de crime sanguinaire, rentre tranquillement chez elle pour discuter de timbre-poste avec son mari peintre animalier. On dirait, en psychologie, que c'est de la dissociation cognitive qui frôle la psychose.

Mais, foin de ce jargon psychologique, les frère Coen nous donne un grand spectacle et ouvre une nouvelle voie au film policier. 

Toute la séquence du dialogue entre la policière et son collègue sur la première scène de crime est digne d'anthologie. 

Pas possible de trouver plus psychopathes que Buscemi et Stormare et plus loser que Macy qui méritait une statuette, lui aussi.

Avec Macy comme directeur commercial d'un concessionnaire d'autos, disons que l'image des vendeurs d'autos en prend un sacré coup. Ils n'ont pas dû trop aimer.

La phrase culte de ce film. ''J'imagine que c'est ton complice qui est dans le broyeur''

Les paysages enneigés du Minnesota et la figure légendaire de Paul Bunyan dont l'origine, tant pour le nom que pour le métier, serait canadienne-française.

Ah oui, la cassette contenant le million de dollars enfouie dans la neige sera retrouvée quelques décennies plus tard dans une autre production des frères Coen.

Oscars 1997. Meilleure actrice à Frances McDormand, meilleur scénario aux frères Coen

Cannes 1996. Meilleure réalisation

Visionné, la première fois, le 3 février 1997 sur VHS à Montréal. 
Mon 328ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

327. Hicks : Shine

1001 films de Schneider : Shine

Le Prodige

Film australien réalisé en 1996 par Scott Hicks

Avec Geoffrey Rush (David), Armin Mueller-Stahl (père), Justin Braine, Sonia Todd, Chris Haywood, John Gielgud

D'après la vie du pianiste David Helfgott né en 1947.

Dans une première partie, par moment, insoutenable, on voit comment un père de famille qui souffre d'un trouble de personnalité à volet tyrannique détruit psychologiquement son enfant dont les séquelles l'amèneront en institut psychiatrique pendant une dizaine d'années. 

En deuxième partie, c'est Rain Man pianiste qui vogue dans la vie comme tous ceux du volet autistique qui, sans surmoi, nous offre des scènes de folies jubilatoires. C'est sûr que l'on ne voit que la belle partie de la personnalité à volet autistique.

Au cœur du film, la prestation (partielle) du troisième concerto de Serguei Rachmaninov, considéré comme la plus difficile des œuvres pour piano. Ce sont 40 minutes de pure virtuosité technique qui, selon le professeur de David, peut mener à la folie si on n'est pas prêt à recevoir cette œuvre. Ce que le réalisateur nous démontre un peu trop pathétiquement.

Oscars 1997. Meilleur acteur à Geoffrey Rush

Visionné, la première fois, le 13 janvier 1997 au cinéma de la Place Desjardins à Montréal. 
Mon 327ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

326. Noonan : Babe

Babe, le cochon devenu berger

Film australien réalisé en 1995 par Chris Noonan

Avec James Cromwell, Magda Szubanski,

D'après le livre de Dick King-Smith

Tiré du livre de Schneider : ''Un critique a dit que c'était le Citizen Kane des films de cochons qui parlent.''

Des animaux qui parlent : encore un complot de végétariens contre les carnivores. Ma fille qui avait 5 ans lorsqu'elle a vu ce film, en fut marquée pendant quelques jours - mais, après quelque temps, la carnivore a refait surface.

Il y a une suite à ce film : Babe, un cochon dans la ville par George Miller (le réalisateur de Mad Max!!!!). Que Dieu nous en protège !

Oscars 1996. Meilleurs effets visuels

Visionné, la première fois, le 4 février 1996 au cinéma de la Maison de la culture de Pointe-aux-Trembles à Montréal. 
Mon 326ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

325. Kazan : On the Waterfront

Sur les quais

Film américain réalisé en 1954 par Elia Kazan

Avec Marlon Brando (Terry Malloy), Eva Marie Saint (Edie), Karl Malden (le curé), Lee J. Cobb (Johnny), Rod Steiger (Charley Malloy), Pat Hening, Leif Erikson, James Westerfield

Musique de Leonard Bernstein, magistral.

On doit un des plus beaux films tournés en noir et blanc à Boris Kaufman, le caméraman de L'Atalante. C'est lui qui signera les merveilleuses images des extérieurs de On the Waterfront. 

Kazan s'attaque à un sujet qui fait les manchettes des journaux depuis au moins une quinzaine d'années : la corruption des syndicats des dockers de New York et du New Jersey.

Elia Kazan nous dit, par ce film, qu'il est, quelquefois, éthiquement nécessaire de dénoncer.

On the Waterfront, c'est l'histoire de Terry Malloy confronté à sa conscience. Déchiré entre sa copine et le curé qui l'incitent à dénoncer un meurtre et son frère et les membres criminels du syndicat qui le menacent de n'en rien faire. Que doit-il faire. Que va-t-il faire ? Une prestation exceptionnelle de Brando qui jouent sur toutes les cordes de l'émotion.

Dans cette histoire de criminels, il est agréable de voir se dessiner une idylle amoureuse entre le bum (Brando) et la sainte-nitouche (Eva Marie Saint - quel nom œcuménique !)

Par ailleurs, le rôle du curé est insupportable par son omniprésence et sa condescendance chrétienne. Quand il arrive à la dernière scène du film on a une envie féroce de le pousser à l'eau.

Kazan, évidemment, envoie un message gros comme une maison à ses détracteurs suite à ses dénonciations de ses anciens collègues communistes devant le comité des affaires anti-américaines.  

Sa contribution critiquée à l'enquête sur les activités anti-américaines (HUAC) au début des années 1950 marquera son œuvre dans laquelle l'on retrouvera de nombreuses références à cette période sombre de sa vie. Sombre parce que difficile de supporter l'opprobre qui l'entoura pendant des décennies et non pas parce qu'il était en désaccord avec la dénonciation de ses ex-camarades d'un  groupuscule communiste clandestin  auquel il avait appartenu pendant quelques années dans les années 30. Il  n'a jamais regretté ce geste avant tout politique même si on a tenté de salir sa réputation en l'accusant de s'être vendu à la Commission en échange d'une carrière à Hollywood, qu'il détestait royalement, en passant

Pour moi, deux séquences d'anthologie :

1. La scène du gant échappé involontairement par Eva Marie Saint (Edie) que Brando ramasse, regarde et revêt. Certains y voit une façon métaphorique d'entrer dans la peau d'Edie : du grand n'importe quoi.

2. La scène du taxi où a lieu la confrontation entre les deux frères avec "le store vénitien" en arrière-fond. 

Un bateau célèbre fait un cameo dans le film : SS. Andrea Doria qui sombrera deux ans plus tard. Au moment où il apparait dans le film, il n'était en service que depuis 7 mois.

Oscars 1955. Huit statuettes : film,  réalisation, scénario, acteur à Marlon Brando, actrice dans un second rôle à Eva Marie Saint, caméra, direction artistique, montage.

Venise 1954. Trois prix dont le Lion d'argent pour le film.

Visionné, la première fois, le 31 aout 1995 sur VHS à Montréal.
Mon 325ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

324. Stone : Natural Born Killers

Le Meurtre dans le sang 

Film américain réalisé en 1994 par Oliver Stone

Avec Woody Harrelson (Mickey), Juliette Lewis (Mallory), Robert Downey Jr., Rodney Dangerfield, Tommy Lee Jones.

D'après une histoire de Quentin Tarantino.

Disons que le thème du film, l'apologie du mass shooting (plus de 3 personnes tuées ou blessées), n'est pas tout à fait dans les valeurs du jour. Aux États-Unis, en ce 19 juillet 2023 on a atteint les 389 tueries cette année, en route vers un record jamais imaginé au moment du tournage de ce film qui fait joujou avec l'abattage d'êtres humains. Un site pour vous garder à jour sur les tueries aux USA.

À titre d'informations : En 2023, 5 États ont, à ce jour, plus de 20 tueries : Texas (36), Californie (28), Illinois (25), Louisiane (21) et Caroline du Nord (21). Seulement neuf États n'ont pas été l'objet de tueries jusqu'ici, cette année.

Cela étant dit, on assiste à un feu d'artifice cinématographique.  Les 20 premières minutes sont un patchwork d'effets visuels ahurissants. On se fait bousculer d'une scène à l'autre, passant d'une scène d'abattage de personnes à une séquence de télésérie abominable, à une scène romantique qui culmine par le meurtre d'un innocent cycliste le long d'une route. On dirait que Tarantino n'avait pas eu son content de violence avec Pulp Fiction.

Le joli couple Mallory/Mickey est finalement mis aux arrêts après 52 meurtres. 

Quand le journaliste qui fait un reportage sensationnel sur le couple qualifie Mallory et Mickey de serial killers, Mickey rectifie, pas serial killers mais mass murderers, prophétisant les décennies à venir.

Je n'ai jamais vécu un trip sur l'acide mais je pense que ce film, c'est probablement ce qui pourrait le plus s'approcher de l'idée que je m'en fais.

À cause de la prestation de Juliette Lewis, je ne pourrai plus revoir le Sapin a les boules sans penser aux horreurs de Natural Born Killers.

Venise 1994. Deux prix : Grand prix spécial du jury et meilleure actrice à Juliette Lewis 

Visionné, la première fois, le 31 mars 1995 sur VHS à Montréal.
Mon 324ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

323. Kazan : A Streetcar Named Desire

Film américain réalisé en 1951 par Elia Kazan

Avec Vivien Leigh (Blanche DuBois), Marlon Brando (Stanley), Kim Hunter (Stella DuBois) et Karl Malden (Mitch)

Adapté de la pièce de théâtre de Tennessee Williams,

Mettons tout de suite ça au clair. Ce film, c'est l'histoire de Blanche DuBois et Marlon Brando ne joue qu'un rôle secondaire dans cette histoire. Alors, toute la lumière sur la prestation de Vivien Leigh.

Une pièce très charcutée à cause du Code Breen (Motion Picture Production Code en vigueur dans les grands studios de 1934 à 1968) : pas d'ex-mari homosexuel pour Blanche, pas de viol non plus (il faut connaître  la pièce pour savoir qu'il y en a eu un), pas d'attirances sexuelles entre Blanche et Stanley - ça fait un sacré coup de ciseau dans la pièce.

Kazan avait déjà monté cette pièce à Broadway avec les mêmes acteurs sauf pour le rôle de Blanche (Jesssica Tandy a été remplacée par Vivien Leigh qui avait joué ce rôle dans la pièce montée par son mari Laurence Olivier à Londres).

Kazan était rébarbatif à réaliser ce film disant que c'était comme marié la même femme, deux fois. Il est vrai que le film souffre un peu de l'empreinte théâtrale, l'unité de lieu de la pièce enfermant à nouveau Kazan dans le monde des studios, lui qui avait tant apprécié le grand large du tournage en extérieurs  de Panic in the Streets (réalisé l'année précédente). Je crois que l'on n'y reprendra plus d'ici la fin de sa carrière.

Oubliez ce qui précède. Ce qui fait la grandeur de ce film, ce sont les interprétations de Marlon Brando et de Vivien Leigh. C'est une grande démonstration de l'école dramatique de Kazan, l'Actor's Studio : aller chercher en soi ses expériences émotives du passé pour les transmettre au personnage. 

C'est le premier grand rôle de Brando et il ne rate pas son entrée en jouant ce personnage brutal, à la limite de l'abime. On a toujours l'impression qu'il va exploser, faire une décompensation psychotique. 

Vivien Leigh joue le rôle de sa vie à travers ce personnage qui, toujours au bord de la crise de nerfs, se démonte pièces par pièces jusqu'à la schizophrénie finale. ''I don't want realism... I want magic''

C'est le dernier grand rôle pour Vivien Leigh, accablée par des crises bipolaires qui mettront un terme à sa carrière.  Seulement 5 petits rôles jusqu'à son décès en 1967 à l'âge de 53 ans. Abandonnée par son mari, Laurence Olivier, en 1961, au profit de Joan Plowright qui, incidemment, jouait sa fille, dans le film de Tony Richardson, The Entertainer, tourné en 1960 et que je viens de voir. Assez cocasse d'entendre le personnage joué par Oliver dire à Plowright :"que dirais-tu si j'épousais une fille de ton âge?" La réalité rejoindra la fiction quelques mois plus tard.

Oscars 1952. Quatre statuettes : meilleure actrice à Vivien Leigh, meilleure actrice dans un second rôle à Kim Hunter, meilleur acteur dans un second rôle à Karl Malden, direction artistique.

Venise 1961. Prix spécial du jury à Elia Kazan, meilleure actrice à Vivien Leigh

Visionné, la première fois, le 27 juillet 1995 sur VHS à Montréal.
Mon 323ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

322. Newell : Four Weddings and a Funeral

Film britannique réalisé en 1994 par Mike Newell

Avec Hugh Grant (Charlie), Andie MacDowell (Carrie), James Fleet, Simon Callow, John Hannah, Kristin Scott Thomas, Rowan Atkinson (monsieur Bean en curé empêtré dans la cérémonie des vœux de mariage). 

Comédie sentimentale qui roule sur les chapeaux de roue avec une grande quantité de ''one-liners''. Un tourbillon qui finit un peu par lasser.  Après le troisième mariage, on en a plein le chapeau. Mais, il y a un malheureux événement qui vient donner de la profondeur à cette bluette sentimentale.

Le personnage  de Simon Callow a l'excellente idée de décéder pendant la troisième cérémonie de mariage ce qui nous donne droit à un des plus beaux poèmes d'amour.

Vous devez, toutes affaires cessantes, aller lire le poème Funeral Blues de W. H. Auden.

Je vous écris le dernier quatrain pour vous montrer l'immensité de la peine vécue par celui qui survit :

The stars are not wanted now; put out every one,

Pack up the moon and dismantle the sun,

Pour away the ocean and sweep up the wood;

For nothing now can ever come to any good.

Le visage de marbre florentin de Kristin Scott Thomas vaut le déplacement. Elle est lumineuse dans un rôle tout en discrétion. Personnage énigmatique. À moins qu'elle se soit simplement trompée de studio en arrivant au boulot. Elle dit à Charlie qu'elle l'a toujours aimé : zéro crédibilité.

Roger Michell a beaucoup emprunté d'éléments de ce film pour réaliser, cinq ans plus tard, son Notting Hill. Il a surtout emprunté le personnage de Hugh Grant (Charlie) qui, au lieu de tomber en amour avec Andie MacDowell, aura le coup de foudre pour Julia Roberts. Même le personnage de la sœur de Charlie se retrouvera dans les deux films : mêmes comportements, même coiffure.

Césars 1995. Meilleur film étranger

Visionné, la première fois, le 20 janvier 1995 sur VHS à Montréal.
Mon 322ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

321. Lasseter : Toy Story

Film américain réalisé en 1995 par John Lasseter

Quand ton réalisateur préféré est Ingmar Bergman, alors comment parler d'un Dysney-Pixar?  En retrouvant son cœur d'enfant ? 

Reviennent à ma mémoire les deux derniers vers de la chanson Vingt ans de Léo Ferré : 

Et en cherchant son cœur d'enfant

On dit qu'on a toujours vingt ans

Chanson à jamais liée à mon copain Robert, aujourd'hui disparu. À toutes les fois que nous nous rencontrions, après mucho vino, nous entonnions cette chanson en duo. nous empêtrant constamment dans les différents couplets. 

Les dix premières minutes de ce film, c'est un vrai festival de trouvailles intelligentes. Que les jouets aient une vraie vie lorsque les humains sont absents est un concept brillant qui fait tout l'intérêt du film.

Mais comme je n'ai plus mon cœur d'enfant depuis plusieurs  décennies, l'émerveillement du début s'écrase rapidement. Tant que la nostalgie fait son effet, le film séduit. Mais tôt ou tard, on retombe dans une histoire qui n'intéresse plus que les enfants et on a hâte de voir le film suivant, le 322.

Oscars 1996. Special Achievement Award

Je viens de recevoir le troisième tome de Parcours d'un cinéphile. On y retrouve les textes des films 201 à 300. 

Visionné, la première fois, avec ma fille de 4 ans, en 1995 au cinéma à Montréal.
Mon 321ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

320. Tarantino : Pulp Fiction

On a osé cette stupidité. Titre français ou québécois : Fiction pulpeuse

Film américain réalisé en 1994 par Quentin Tarantino.

Avec John Travolta, Samuel L, Jackson, Tim Roth, Uma Thurman, Amanda Plummer, Bruce willis, Rosanna Arquette, Maria de Madeiros, Harvey Keitel, Ving Rhames, Etrc Stoltz, Christopher Walker,

À propos du titre : Comme l'affiche l'indique (10 cents), la pulp fiction ce sont des romans de gare bas de gamme imprimés sur du papier de mauvaise qualité (quand j'étais petit, on appelait ça du papier brouillon). Pulp se traduit par pulpe, l'étape précédente dans la fabrication du papier. On pourrait traduire Pulp Fiction par Une histoire à 100 balles (pour les moins de 60 ans, 100 balles, c'étaient 100 anciens francs, devenus 1 nouveau franc le 1er janvier 1960 et disons 0,10 Euro à partir du 1er janvier 2002).

Bienvenue dans l'ère Tarantino. Reservoir Dogs, son précédent film, est supérieur mais Pulp Fiction c'est une icône du cinéma violent qui fera ses petits avec les Kill Bill. 

Ça cause beaucoup chez les tueurs de Tarantino, beaucoup trop. Les séquences s'étirent en n'en plus finir. Les personnages ont un certain plaisir à s'écouter parler quitte à retarder indûment le passage à l'acte. Complètement à l'opposé du personnage de Dirty Harry, le célèbre policier interprété par Clint Eastwood.

Travolta en gangster aux cheveux gominés est une des grandes réussites de ce film même si sa performance sur la piste de danse avec Uma Thurman est à des kilomètres de celles que l'on retrouve dans Saturday Night Fever.

Travolta à Jackson : La différence entre l'Europe et l'Amérique pourrait se résumer dans la façon de servir les frites : avec ketchup ou avec mayonnaise. Mais le plus extraordinaire, c'est d'apprendre que Travolta a passé ses 3 dernières années de sa vie à Amsterdam. Amsterdam dans un film de mafia sonne aussi faux que Venise dans un film gore.

Oscars 1995. Meilleur scénario

Cannes 1994. Palme d'or

Visionné, la première fois, le 22 novembre 1994 au cinéma Berri à Montréal.
Mon 320ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

319. Rivette : La Belle Noiseuse

Film franco-suisse réalisée en 1991 par Jacques Rivette

Avec Michel Piccoli, Jane Birkin, Emmanuelle Béart, Marianne Denicourt, David Bursztein, Gilles Arbona et la main du peintre Bernard Dufour.

Librement inspiré d'une nouvelle de Balzac : Le Chef-d'œuvre inconnu

D'abord le titre.
Emmanuelle Béart qui, dans sa jeunesse, a étudié au Collège international Marie-de-France au Québec, se gourre lorsqu'elle dit que noiseuse est une expression québécoise alors qu'elle la confond avec niaiseuse, déclinaison du mot niais. On pourrait dire qu'elle a l'air d'une belle niaiseuse en faisant cette affirmation alors qu'il aurait été si facile d'en vérifier le fondement. Noiseuse, une emmerdeuse qui cherche des ''noises''. 

Une relation tumultueuse entre un peintre (Piccoli) sur le tard en panne d'inspiration et un modèle (Béart).  À un moment donné, le peintre devient sculpteur et manipule à la limite du sadisme le corps de son modèle.

Rivette qui réussit à convaincre Emmanuelle Béart à se montrer totalement nue pendant une grande partie du film, ce n'est pas un mince exploit.

Une très grande partie du film nous montre seulement la main de Bernard Dufour en train de faire différents dessins du modèle. On se dit que c'est là que réside la beauté de ce film, l'histoire du peintre passant au second plan. Les peintres du dimanche auraient intérêt à regarder la manière dont ce peintre utilise l'encre et le fusain.

Le peintre, à la recherche de la peinture absolue (La Belle Noiseuse), finira-t-il par atteindre son objectif ? Seules les pierres du magnifique Château d'Assas, près de Montpellier, en ont la connaissance.

Jane Birkin, la femme du peintre, est la perle de ce film. 

Dans La Belle Noiseuse

Terrible coïncidence : Au moment où j'écris ces lignes, j'apprends le décès de Jane Birkin à l'âge de 76 ans. 

Cannes 1991. Trois prix : palme d'or, grand prix du jury et prix œcuménique

Visionné, la première fois, le 2 novembre 1994 sur VHS à Montréal.
Mon 319ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

318. Demme : Philadelphia

Film américain réalisé en 1993 par Jonathan Demme
Avec Tom Hanks, Denzel Washington, Antonio Banderas, Roberta Maxwell, Buzz Kilman, Joanne Woodward, Jason Robards

Procès pour discrimination contre un sidéen. Occasion, pour le grand public, de se confronter avec ses préjugés, ses peurs, ses fantasmes sur la question homosexuelle. Un film convenu rempli de bonnes intentions. Beaucoup de moraline. Un classique : l'avocat homophobe (Washington) qui défend le sidéen et qui, touché par le combat de son client, voit son homophobie se fragilisée puis disparaître.

Pourquoi Philadelphie ? C'est là qu'a été acceptée la constitution américaine, la Loi suprême des États-Unis, le 17 septembre 1787 dont un amendement stipule que tous sont égaux devant la loi.

De superbes airs d'opéra dont quatre sont interprétés par Maria Callas. Le plus émouvant et celui qui occupe une longue séquence la veille du dernier jour du procès :  La Mamma morta de l'opéra Andrea Chénier d'Umberto Giordano. Callas accompagne aussi Denzel Washington au retour à la maison avec O Nome Tutelar tiré de l'opéra La Vestale de Gaspare Spontini. Si vous n'êtes pas gagné à l'opéra après ces deux airs, vous êtes perdus pour la Musique. Il vous reste Mr Sandman interprétée par The Flirtations lors du party gay.

Encore de la musique : la très belle chanson de Bruce Springsteen en ouverture du film. 

On a certainement voulu ménager le public, on ne montrant pas la terrible déchéance physique que devaient affronter les sidéens avant l'arrivée de la nouvelle pharmacopée.

Après trois ans de covid, on comprend très bien la peur des non infectés lorsqu'ils rencontrent des infectés (se souvenir que dans les années 1980, on parlait de la peste gay). À l'époque du film, on trouvait ce comportement pratiquement discriminatoire alors que l'on sait, après la Covid, que c'est un comportement tout à fait des plus sanitaires. D'accord, on ne peut pas attraper le sida par le toucher ou la proximité des flux respiratoires - mais à l'époque, on pouvait avoir des doutes compréhensibles sur un virus dont on ne connaissait que dalle.

Oscars 1994. Deux statuettes : acteur pour Tom Hanks, musique pour la chanson originale Streets of Philadelphia par Bruce Springsteen.
Berlin 1994 : Ours d'argent pour Tom Hanks

Visionné, la première fois, le 14 aout 1994 sur VHS à Montréal.
Mon 318ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

317. Zemeckis : Forrest Gump

Film américain réalisé en 1994 par Robert Zemeckis

Adaptation du roman de Winston Groom

Avec Tom Hanks, Robin Wright, Gary Sinise, Mykelti Williamson, Sally Field Rebecca Williams, Michael Conner Humphreys

Tout un festival de souvenirs. La boite de chocolats est gigantesque.

Ce que j'aime de ce film, c'est que j'ai l'âge de Forrest Gump et, dans certaines situations de ma vie, presque son Q.I. Il est né, comme moi, dans les années 40, ce qui nous permet de revisiter les années politiques et culturelles des années 50, 60 et 70 avec une trame musicale conséquente. Une revisite tout ce qu'il y a de plus conforme avec l'image nostalgique qu'on a de cette période. 

Image stéréotypée, évidemment. Un exemple : l'imagerie hippie - la très grande majorité des jeunes n'ont jamais adopté ce comportement. Dans le quartier ouvrier où j'habitais, Limoilou à Québec, on se faisait traiter de tapettes, mon ami André et moi, parce qu'on portait des sandales et qu'on avait les cheveux longs. Alors, les hippies, on les voyait à la télé mais certainement pas dans les usines du quartier.

Parmi la multitude de répliques amusantes, celle concernant l'armée est la plus hilarante. Forrest lors de sa formation militaire : ''Ici, je me sens comme un poisson dans l'eau.'' Autrement dit, l'armée c'est une gang de tarés.

L'origine du déhanchement d'Elvis, quelle belle trouvaille !

Zemeckis reprend à son compte la technique utilisée par Woody Allen dans Zelig (1983) : l'introduction du personnage dans de réelles séquences d'actualités télévisées. Amusant mais du déjà-vu.

Oscars 1995. Six statuettes : film, réalisateur, scénario, acteur à Tom Hanks, effets spéciaux visuels, montage.

Visionné, la première fois, le 26 juillet 1994 au cinéma de la Place Versailles à Montréal.

Mon 317ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

316. Allers et Minkoff : The Lion King

Film américain réalisé en 1994 par Roger Allers et Rob Minkoff

Parmi les voix : James Earl Jones, Matthew Broderick, Jeremy Irons, Rowan Atkinson, Whoopi Goldberg

Au cinéma avec ma fille Sandrine qui venait d'avoir 3 ans, debout pendant tout le film; ça restera à jamais comme une des plus belles séances de cinéma de ma vie de cinéphile.

 

Je ne reverrai pas ce film que j'ai vu peut-être 40 fois avec ma fille lorsqu'elle avait 3-4-5 ans.

Un gros hit qui me crée beaucoup de nostalgie, Can You Feel the Love Tonight, la chanson-thème chantée par Elton John. 

On peut dire que le Roi Lion a enterré Bambi dans la production lacrymale de Disney.

En 2013, jeune adulte, ma fille a interprété une des hyènes, lors d'une production du Roi Lion par les étudiants de l'Université de Montréal.  La boucle était bouclée.

Oscars 1995. Deux statuettes : Chanson et musique

Visionné, la première fois, le 7 juillet 1994 au cinéma de la Place Versailles à Montréal avec ma fille Sandrine qui venait d'avoir 3 ans.

Mon 316ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

315. Spielberg : Schindler's List

Film américain réalisé en 1983 par Steven Spielberg

Avec Liam Neeson, (Oscar Schindler), Ben Kingsley (le contremaitre), Ralph Fiennes (le directeur du camp), Caroline Goodall, Jonathan Sagall, Embeth Davidtz, Malgoscha Gebel, Shmulik Lev, Mark Ivanir, Béatrice Macol

Après avoir vu ce film, on a le goût de se coucher en rond et de pleurer. Pleurer des larmes de rage sur l'ignominie des comportements nazis.

Mais pleurer aussi de gratitude sur le comportement d'un rare allemand qui a beaucoup risqué pour sauver 1100 Juifs en les faisant travailler dans son usine, les sauvant par le fait même des fours crématoires.

Oscar Schindler a reçu le titre de Justes parmi les Nations en 1967. Les Justes parmi les Nations, sont des non-juifs qui ont mis leur vie en danger pour sauver des Juifs de la Shoah.

Le directeur du camp de travail (Ralph Fiennes) dit à peu près en ces mots : '' Les Juifs ont mis 600 ans pour faire Cracovie telle qu'on la connaît. À partir de ce jour, on va effacer cette présence de 600 ans.'' En une phrase, l'idéologie de la solution finale juive.

Un petit manteau rouge (seule couleur du film) qui apparaît de temps à autre, comme le fil rouge de la psychanalyse, illustre le cheminement qu'ont dû suivre 6 millions de Juifs vers les fours crématoires.

Une scène mémorable : les femmes qui, après avoir été tondues et dépouillées de leur vêtement, sont poussées dans ce qu'elles croient être une chambre à gaz et qui s'avère, après des minutes d'angoisse, être une simple salle de douches qui propulsent de l'eau et non pas du Zyklon B.

Surprenant d'entendre chantée Billie Holiday dans le contexte de ce film. Elle chante God Bless the Child, mais il me semble que Strange Fruit aurait été plus appropriée.

En 1993, les descendants des Juifs de Schindler (6000) étaient plus nombreux que le nombre de Juifs qui vivaient en Pologne (4000)

Oscars 1994. Sept statuettes : film, réalisateur, scénario, direction artistique, photographie, montage et musique à John Williams.

Césars 1994. Meilleur film étranger

Visionné, la première fois, le 19 avril 1994 au cinéma de la Place Desjardins à Montréal.
Mon 315ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

314. Kieslowski : Trois couleurs : Rouge

Film franco-polonais réalisé en 1994 par Krzysztof Kieslowski

Avec Irène Jacob (Valentine), Jean-Louis Trintignant (le juge), Frédérique Feder, Jean-Pierre Lorit, Samuel Le Bihan

Que c'est une belle rencontre, rare au cinéma, que celle de la jeune femme Valentine et du vieux juge à la retraite. Quelle belle idée que celle du vieux juge qui rêve de la jeune femme qui a 50 ans dans son rêve. 

Kieslowski, avec son escarcelle de hasards et de coïncidences, nous fait vivre des moments magiques. Évidemment, le deus ex machina arrange bien les choses à la fin : les méchants périssent et les bons survivent pour notre plus grand plaisir. Aussi, parmi les rescapés de la catastrophe finale, des personnages des deux autres films de la trilogie. Gros déficit de crédibilité mais, on s'en fout, on en retire une jouissance certaine.

Césars 95. Musique à Zbigniew Preisner.

Visionné, la première fois, le 10 avril 1994 au cinéma Berri à Montréal.

Mon 314ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

313. KIeslowski : Trois couleurs : Bleu

Film franco-polonais réalisé en 1993 par Krzysztof Kieslowski

Avec Juliette Binoche, Benoit Régent, Florence Pernel, Charlotte Véry, Hélène Vincent, Philippe Volter, Claude Duneton, Hughues Quester, Emmanuelle Riva, Florence Vignon, Daniel Martin.

Comment dire ? Un film sur-fait comme on dit d'une scène qu'elle est sur-jouée ? À certains moments, l'expression ''dramatique-pompier'' me vient à l'esprit surtout lors de l'entrée tonitruante de la musique (merveilleuse, par ailleurs) couplée avec un plan noir qui nous annonce une progression dans la dramaturgie. 

Beaucoup de coïncidences et de hasards, on est bien dans du Kieslowski. Après avoir vu le Décalogue et la Double vie de Véronique, j'avoue que j'en suis gavé.

Psycho 101. Les phases de deuil. Le personnage de Binoche s'en passent carrément. Après une pensée suicidaire, cette femme, en pleine possession de ses moyens (comment peut-on après un tel traumatisme ?), réorganise sa vie en effaçant son passé qui lui reviendra par bribes. Déficit de crédibilité. Difficile de comprendre que la perte d'une enfant de 5 ans ait si peu de place dans le deuil d'une maman qui n'en a que pour la perte de son mari. 

À lire ce qui précède, on a le goût de s'éloigner en courant de cette production. Non Non Non : la musique de Zbigniew Preisner (surtout le Chant pour l'Unification de l'Europe) et la caméra de Slavomir Idziak devraient vous scotcher à ce film ainsi que la performance, en toute sobriété, de Juliette Binoche.

Ah! revoir Emmanuelle Riva....

On en est rendu là. Appréciation du film par GPT4 (première et dernière fois que je fais cet exercice ). '' Dans l'ensemble, "Trois couleurs : Bleu" est un film visuellement époustouflant qui plonge dans les thèmes complexes du deuil et de la libération personnelle. Cependant, son rythme délibéré, sa narration discrète et sa nature abstraite peuvent empêcher certains téléspectateurs de se connecter pleinement aux personnages et au cœur émotionnel du récit.''

Venise 1993. Trois prix. film, actrice à Juliette Binoche, photographie à Slavomir Idziak

Césars 1994. Trois prix : actrice à Juliette Binoche, son, et montage.

Visionné, la première fois, le 29 octobre 1993 au cinéma de la Place Desjardins à Montréal.

Mon 313ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider

312. Belvaux : C'est arrivé près de chez-vous

Film belge réalisé en 1992 par Rémy Belvaux

Autres réalisateurs : André Bonzel, et Benoit Poelvoorde.

Avec Benoit Poelvoorde, Rémy Belvaux, André Bonzel, Vincent Tavier

Film inclassable. Tout le film mériterait d'être décrit tant on est abasourdi par les séquences qui se suivent passant de l'horreur à la scène bon enfant comme dans les deux premières séquences.

Un reality show (caméra à l'épaule (bonjour Michel Brault) et en son direct) comme un coup de poing sur la gueule. On ne peut qu'en sortir bouleversé de ce film qui, commençant par des scènes à la limite du supportables, déboule irrémédiablement dans l'horreur la plus totale. À côté de ce film, Natural Born Killers a l'air d'une comédie romantique.

Ceci étant dit, les séquences, la plupart improvisées, entres les meurtres, on s'en passerait bien tant elles tombent dans la banalité. Mais on comprend qu'il s'agit d'inscrire l'horreur comme appartenant à la vie quotidienne.

Benoit Poelvoorde, un rôle d'enfer, au propre comme au figuré, lancera sa carrière avec ce film.

Un coup de chapeau à Michel Brault (1928-2013), l'inventeur de la caméra à l'épaule, invité à ce titre à travailler avec Jean Rouch. Une perle que je vous invite à visionner : Les raquetteurs, co-réalisé avec Gilles Groulx (un autre grand de l'époque ONF 1950-1960). On estime que c'est la première utilisation de la caméra à l'épaule de l'histoire du cinéma. Cette technique inondera le champ cinématographique de la décennie 60, surtout chez les tenants de la Nouvelle Vague.

Cannes 1992. Deux prix pour les trois réalisateurs.

Visionné, la première fois, le 31 aout 1993 sur VHS à Montréal.

Mon 312ème film visionné de la liste des 1001 films du livre de Schneider